Archivo mensual: febrero 2011

Eres muy guapo

Director: Isabelle Mergault

Año: 2006

Público: 2-3 (Adultos-J�venes)

País: Francia

Dirección y Guión: Isabelle Mergault

Intérpretes: Michel Blanc, Medeea Marinescu, Wladimir Yordanoff y Benoît Turjman

 Tras recaudar 14 millones de euros y llevar a las salas francesas a más de 7 millones de espectadores, Eres muy guapo intenta hacerse un hueco en la cartelera española. Comedia costumbrista cuya fuerza reside en el retrato de personajes, Eres muy guapo explora las relaciones entre un granjero viudo que recurre a una agencia matrimonial para buscar una mujer que le ayude con el trabajo, y una joven rumana que aspira a una vida más digna. El choque entre un hombre tosco y rudo y una chica luminosa y vital servirá de hilo conductor de la trama, germen del conflicto y de la reflexión social. La veterana guionista Isabelle Mergaut opta en su ópera prima por un estilo marcado por la desnudez y la sencillez de la forma. Los escenarios y encuadres buscan la funcionalidad y la empatía del espectador con los personajes que pueblan su microcosmos, sin renunciar por ello a los juegos verbales y a los subtextos. Desde el mismo título del largometraje, Mergaut revela la intencional y la ironía de su cuento de hadas puesto que el protagonista, muy lejos de ser agraciado físicamente, se perfila como un hombre huraño, gruñón, brusco e incapacitado para las relaciones sentimentales. El contraste entre lo que se nos presenta inicialmente y lo que vamos descubriendo a medida que los personajes interactúan es quizá uno de los puntos más interesantes de la película; apoyado en una excelente dirección de actores y, fundamentalmente, en la fuerza interpretativa de Michel Blanc -que ha trabajado con realizadores como Claude Chabrol, Patrice Leconte o Roman Polanski- y la dulzura y la vivacidad que aporta la actriz rumana Medeea Marinescu. Si bien se atisba una ligera meditación sobre la inmigración, la búsqueda de oportunidades y la renuncia del propio anhelo a cambio de un futuro, Eres muy guapo prefiere privilegiar la conseja y el happy end y deja más perfiladas que asentadas sus tímidas reflexiones. Los equívocos, las falsas apariencias y el buen corazón de los personajes permiten a Isabelle Mergaut construir un bonito relato sobre el amor, la soledad y los buenos sentimientos. (Filasiete / Almudí)


Kamchatka

Año de producción: 2002

País: Argentina, España, Italia

Dirección: Marcelo Piñeyro

Intérpretes: Ricardo Darín, Cecilia Roth, Héctor Alterio, Fernanda Mistral, Tomás Fonzi, Mónica Scapparone, Milton de la Canal, Matías Del Pozo

Duración: 104 min.

Público apropiado: Jóvenes

Género: Drama

Contenidos: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Kamchatka o la capacidad de resistir, encastillado en los propios ideales. El país de un juego de mesa, que soporta contra viento y marea el asedio de los ejércitos del contrario, se convierte en símbolo de la necesidad de luchar, aunque el mundo se venga encima. Porque esto o casi sucede a una familia compuesta por el matrimonio y dos hijos pequeños. Son los años de la dictadura militar argentina, y tener ideas resulta peligroso. De modo que los cuatro se van una temporada al campo. Harry, el niño mayor, está en esa edad en que empieza a hacerse preguntas. Mientras que El Enano es un chavalín inocente, que apenas se entera de lo que ocurre alrededor.

El argentino Marcelo Piñeyro (Caballos salvajes, Cenizas del paraíso) no ofrece un discurso didáctico y obvio, o aun peor -cuánto deben aprender los cineastas españoles, a vueltas siempre con la guerra civil-, revanchista. Sus maneras suaves y entrañables se revelan así más efectivas, a la hora de hablar de libertad y persecución. Acierta al pintar una familia normal, donde el contrapunto a la defensa de sus ideas lo ponen los abuelos, que querrían que los padres pensaran más en el futuro de sus hijos. Las actividades políticas, el riesgo de acoger a un joven perseguido, la ayuda que presta el colegio de frailes de los niños (aceptan nombres falsos sin hacer preguntas) son elementos que enriquecen la historia, y que conforman una perfecta unidad.


el mito Bourne

Director: Paul Greengrass

Año: 2005

Público: 2 (J�venes)

Informe: DIRECTOR: Paul Greengrass.

INTÉRPRETES: OksanaMatt Damon, Franka Potente, Brian Cox, Julia Stiles, Karl Urban, Gabriel Mann.

GÉNERO: Acción 

 Hace dos años Jason Bourne pensaba haber dejado atrás su pasado. Pero ahora ese pasado vuelve a por él. Bourne y Marie (Franka Potente) han mantenido una existencia anónima y clandestina, al precio de una movilidad permanente. Impulsado por pesadillas fragmentarias y atormentado por un pasado que no acaba de recordar, Bourne traslada a Marie de una ciudad a otra, tratando de ir un paso por delante de una amenaza implícita en cada mirada de una persona extraña, en cada llamada telefónica “equivocada”… temiendo a cada segundo que, sin previo aviso, vuelva a verse inmerso en ese mundo que espera haber dejado atrás.Cuando un agente aparece en la tranquila villa que los alojaba, Bourne y Marie interrumpen su vida normal y salen disparados: cuando su pasado asoma por la puerta, es la única opción que le queda. Pero el juego global del ratón y el gato ha vuelto a comenzar, obligando a entrar en acción al Jason Bourne creado por Treadstone, el operativo secreto, ahora desmantelado, del que ha surgido un grupo de implacables asesinos profesionales.Hace dos años Bourne abandonó ese entorno letal y anónimo en el que todo intento de entrar en contacto con los que mueven los hilos se castiga severamente. Pero son ellos los que han venido a llamar a su puerta y Bourne va a cumplir las reglas: deberían haberle dejado en paz. A pesar de ser una segunda parte mantiene bastante bien el nivel de la primera. Persecuciones, tiroteos, peleas, intriga y mucha acción aunque todo ello siguiendo un hilo conductor serio y bien trabajado.


Descubriendo nunca jamás

fuente: decine21

Año de producción: 2004

País: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Marc Forster

Intérpretes: Johnny Depp, Kate Winslet, Radha Mitchell, Dustin Hoffman, Julie Christie, Freddie Highmore, Kelly Macdonald

Argumento: Allan Knee (Obra de teatro “The Man Who Was Peter Pan”)

Duración: 106 min.

Público apropiado: Jóvenes

Género: Drama

Contenidos: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4

La historia de las aventuras de Peter Pan en su país de Nunca Jamás es considerada una de las cumbres de la imaginación humana; su idílica visión de la infancia perdida, de sus deseos y quimeras, junto con la huida de la responsabilidad que exige la madurez, son ideas vertebrales de una obra inmortal, considerada un hito de la literatura moderna. Cómo surgió este mundo, qué lo desencadenó, qué pensaba y sentía el escritor James M. Barrie y, en fin, todo lo que rodeó su proceso creativo es el tema de esta sensible película dirigida por Marc Foster con exquisito refinamiento.

La película comienza con un Barrie en horas bajas. Sus obras teatrales le han dado renombre y han obtenido un considerable éxito en los círculos pudientes de la Inglaterra del incipiente siglo XX, pero lleva tiempo sin inspiración y su alma se está anquilosando: necesita algo nuevo. Un día soleado, mientras se encuentra en los jardines de Kensington, halla por casualidad lo que buscaba. Se trata de la familia Llewelyn Davies: cuatro niños revoltosos y su madre, una viuda guapa y joven. James se hace amigo de ellos. Durante meses, los chavales se divierten con sus ocurrencias, sus trucos de magia, sus imaginativos juegos, y Barrie aprende a quererlos, a disfrutar de su compañía, al tiempo que algo comienza a fraguarse en su imaginación. Con el tiempo, su íntima relación con los Llewelyn Davies agudizará su crisis matrimonial y provocará habladurías, pero también fructificará en una obra inolvidable que remite a la infancia e invita a los adultos a creer de nuevo en los sueños.

Foster (Monster’s Ball) adapta la obra teatral “El hombre que era Peter Pan”, escrita por Allan Knee, y es sorprendente el ingenioso modo de plasmarla en imágenes. Los planos desprenden una belleza melancólica enorme, acentuada por una ambientación muy natural, gran variedad de estampas idílicas y una cálida y preciosa luminosidad. Johnny Depp, nominado al Oscar, compone un Barrie comedido y realista, pero todo el reparto está fantástico, especialmente Kate Winslet y el pequeño y expresivo Freddie Highmore. Aunque exquisita en su aspecto formal y con una deliberada y notable carga de emotividad, la película no es, sin embargo, un simple cuento de hadas: hay drama serio, conflictos afectivos profundos, una egoísta y condescendiente ruptura matrimonial, dolor y lágrimas. Es decir, mucha dosis de realidad.


El puente sobre el rio Kwai

Año de producción: 1957

País: EE.UU., Reino Unido

Dirección: David Lean

Intérpretes: William Holden, Jack Hawkins, Alec Guinness, James Donald, Geoffrey Horne, André Morell, Sessue Hayakawa, Peter Williams, John Boxer

Argumento: Pierre Boulle (novela)

Duración: 157 min.

Público apropiado: Jóvenes-adultos

Género: Bélico.

Contenidos: Acción 2, Amor 0, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4

]Segunda Guerra Mundial. Area del Pacífico. 1943. El coronel Nicholson (Alec Guinness) y sus hombres están confinados en un campo de prisioneros japonés. Se ocupan de la construcción de un puente majestuoso. Nicholson se mantiene firme en sus convicciones tradicionales. Mediante su trabajo y su dedicación a este proyecto, Nicholson confía en distraer a sus hombres y mantener alta su moral. De esta manera tratan de justificar sus días en el campo de concentración, a la espera de su liberación o del fin de la guerra. Al comandante japonés que dirige el campo, no tiene otro remedio que ceder ante la testarudez de Nicholson, y deja que éste dirija personalmente la construcción del puente. Pero un oficial norteamericano, interpretado por William Holden, no está de acuerdo con la manera que tiene Nicholson de llevar la existencia de sus hombres en el campo. Sus ideas pasan por una resistencia activa, y planea sabotear la construcción. El enfrentamiento entre ambos es inminente, ante la sorpresa del coronel Saito (Sessue Hayakawa).

 Una película memorable. Rodada en Malasia, Tailandia y Birmania. Basada en la novela de Pierre Boulle, adaptada por Carl Foreman y Michael Wilson, aunque en los títulos de crédito figura el propio Boulle. Fue un éxito total durante su estreno, y hoy en día está considerada una de las grandes películas de la historia del cine. Un punto de referencia en el cine bélico.

 

Dirigida con maestría por David Lean, experto en narraciones grandiosas. Muestra la inutilidad de la guerra y la compleja personalidad de los militares durante una situación de conflicto. Las interpretaciones son magníficas, desde la de Alec Guinness, que obtuvo un Oscar, hasta la de Holden o el propio Hayakawa. Ganadora de 8 Oscar. Todo el mundo recuerda la música compuesta para la película por Malcolm Arnold, y la melodía que los soldados silbaban cuando marchaban hacia el trabajo.


El Padrino

fuente: decine21

Año de producción: 1972

País: EE.UU.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard S. Castellano, Robert Duvall, Diane Keaton, Talia Shire, John Cazale, Sterling Hayden, Al Martino, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda, Gianni Russo, Rudy Bond, Morgana King, Lenny Montana

Argumento: Mario Puzo (novela)

Duración: 164 min

Público apropiado: Adultos

Género: Drama 

Una película épica basada en la novela de Mario Puzo, guionista de la película junto a Coppola. Cuenta la vida de la familia Corleone, que ha ascendido en la sociedad norteamericana de principios de siglo gracias a la ambición y a las agallas de su patriarca, Don Corleone (Marlon Brando).

 

Don Corleone es uno de los jefes de las familias neoyorquinas, que ejerce un enorme poder, que llega incluso hasta las altas esferas políticas. En un mundo de corrupción, Don Corleone es también el principal defensor del viejo orden moral de la mafia. Pero las nuevas generaciones no están dispuestas a acatar sus métodos, y el padrino no tiene fuerzas para imponerse.

 

Un impresionante retrato que sobre la mafia siciliana en Estados Unidos. En el año de su estreno fue un gran éxito en taquilla. Logra la atención del espectador en todo momento, gracias a la maestría en la dirección de Coppola, y nunca resulta aburrido aunque se vuelva a ver de modo habitual. Oscar a la mejor película, al mejor guión, y al mejor actor para Marlon Brando, que se negó a recoger como protesta contra el trato dado por el gobierno a los indios norteamericanos. La historia se cuenta de manera contundente y ágil, a pesar de que está llena de dobleces. En el reparto aparecen con fuerza algunas brillantes caras nuevas, como la de Al Pacino, James Caan o Diane Keaton. La música de Nino Rota es inolvidable. Imprescindible y genial.


Teresa de Calcuta

Fuente: decine21

Año de producción: 2003
País: España, Italia, Reino Unido
Dirección: Fabrizio Costa
Intérpretes: Olivia Hussey, Sebastiano Somma, Michael Mendl, Laura Morante, Ingrid Rubio, Guillermo Ayesa
Distribuye en DVD: Filmax
Duración: 120 min.
Público apropiado: Jóvenes
Género: Biográfico
Contenidos: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0   [de 0 a 4]

Nacida en Albania, en 1910, Teresa de Calcuta ha sido uno de los personajes más carismáticos de la Historia reciente. El cineasta italiano Fabrizio Costa ha sabido condensar sus múltiples virtudes, centrándose en el momento en el que la Madre Teresa -beatificada por Juan Pablo II en 2003- descubrió lo que ella denominaba “llamada dentro de la llamada”, y empezó a dedicarse a “los pobres, entre los más pobres” en Calcuta, la ciudad más desfavorecida dell mundo tras la descolonización inglesa en La India. La trama comienza cuando el padre Sullivan es enviado en los años 50 por el Vaticano, para recoger información sobre la madre Teresa. Ésta ha solicitado la aprobaciónde una nueva congregación, dedicada al cuidado de los más necesitados. De esta forma, nacerán las Misioneras de la Caridad.

En algunos momentos en que se producen saltos abruptos, se nota que la serie televisiva original de tres horas de duración ha tenido que se ser recortada. Pero la aventura de la madre Teresa es tan apasionante, y la actriz Olivia Hussey hace una interpretación tan creíble, que la intención de dar a conocer la obra de la religiosa se cumple sobradamente. El director, el italiano Fabrizio Costa, acierta al centrarse en su espiritualidad y en los motivos que le llevaron a su fundación.